En 2009 el artista Jake Parker planteó el reto de hacer a diario un dibujo a tinta como una manera de desarrollar un hábito necesario para su práctica profesional, propuesta que pronto resultó atractiva para muchos de sus colegas y a diez años es un reto viral que anualmente pone a prueba la creatividad —y resistencia— de millones de dibujantes en todo el mundo.

La primera vez que escuché sobre el Inktober debió ser por allá de 2015, cuando aún estudiaba en la Escuela de Artes de la UAdeC y vi a algunos de mis amigos —principalmente de la carrera de diseño gráfico— compartir sus dibujos diarios inspirados en una palabra clave.

Me llamó la atención pero no pude evitar notar entonces una especie de tendencia a crear ilustraciones con personajes caricaturescos, de contornos bien definidos y traduciendo casi siempre de manera literal el significado de la palabra dada. Para mi contexto y formación me parecía poco, quería más propuesta, más profundidad, que le echaran “más coco”.

Por aquella época también comencé a sentir de manera más puntual el cisma entre “clásicos y contemporáneos” en las artes visuales y recuerdo alguna vez haber escuchado a alguien llamar “artesanos” a quienes preferían crear obras un tanto más figurativas, con aprecio y respeto por la técnica académica.

Creo que como respuesta a este tipo de pensamientos desarrollé, no sé si por cuenta propia o influenciado por un comentario similar al respecto, una mentalidad que buscaba siempre diferenciar al artista serio, con propuesta y discurso, que crea sin limitarse por la técnica del mero ilustrador, el dibujante por encargo o iniciativa pero siempre encargado de darle una salida visual a un concepto usualmente narrativo.

Por ello, cuando en 2017 decidí participar en el Inktober armé mi propia lista con mini retos diarios que estimulaban más que solo mi muñeca, como hacer una dedicatoria o parodiar una obra clásica, que le agregaran mayor sustancia, vaya, y llegué incluso a presentar un trabajo hecho con lapiz blanco sobre papel negro, dejando por completo de lado el “ink” de “inktober”.

Sin mencionar que solo tuve la constancia suficiente para hacer el reto por 6 de 31 días —situación tan común en todos los artistas que lo intentan al grado de que ya es meme— en retrospectiva fue un esfuerzo fútil por perpetuar la división entre artista e ilustrador y cimentar tales conceptos pues terminé en algunos de esos dibujos haciendo precisamente obras como las que no gustaba yo de ver en años previos.

En 2018 mi reto se relajó, seguí la lista oficial y con una calidad llena de altibajos llegué hasta el día 9 y de nueva cuenta muchas de mis propuestas resultaron ilustraciones de las palabras clave diarias. Pero incluso entonces el prejuicio persistió.

El problema no es que no pudiera valorar por sí solo el trabajo de un ilustrador o dibujante más enfocado al diseño, pues en definitiva siempre me ha resultado fascinante y en muchas ocasiones impresionante —como me pasa con el trabajo de Alex Ross, Alan Lee o John Howe—, era que conscientemente decidía no llamarlos artistas para no confundirlos con quienes yo consideraba creadores de otra estirpe.

Tuvo que pasar un año más para que esa percepción comenzara a aflojarse, luego de seguir de cerca el trabajo de ilustradores, de artistas, y sus procesos de conceptualización para llegar a una imagen, labor que ahora puedo apreciar con mucha mayor libertad en los esfuerzos que por los pasados días han llevado a cabo en sus Inktober.

Porque si bien he encontrado ejemplos de esos artistas que buscaba apartar del resto de creadores gráficos, quienes han logrado obras interesantes y fuera de la tendencia pero siguiendo las normas —y afines a sus discursos—, dejar de establecer un paralelo entre ambos me permite disfrutar de lo que todos están haciendo sin pasarlos por alto solo porque no son lo que en primera instancia estoy buscando, obviando joyas que podrían terminar siendo aquello que pretendo hallar.

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